Film, der er praktisk talt fejlfri

Ved Nolan Moore/1. marts 2018 12:51 EDT/Opdateret: 22. marts 2020 22:30 EDT

Filmfremstilling er en vanvittigt vanskelig proces. Der er så mange mennesker involveret, hver med deres egen kreative vision, at det kan være svært at få alle på samme side. Derudover er du nødt til at beskæftige sig med problemer, der spænder fra finansiering til planlægning til ulykkestilfælde.

Med alle omskrivninger, testvisninger og redigeringer i sidste øjeblik er det forbløffende, at enhver film bliver lavet overhovedet. Som et resultat er der en masse film, der bare er middelmådige. Men som så ofte stiller alt sammen perfekt. Få det rigtige manuskript med den rigtige instruktør med den rigtige rollebesætning og besætning, og du får muligvis bare en perfekt film. Disse film er få og langt imellem, men når de følger med, ved du med det samme, at du har fundet en fejlfri film.



Mulholland Drive (2001)

Surrealisme har haft adskillige filmmestre gennem årene, fra Luis Buñuel til Alejandro Jodorowsky, men bevægelsens moderne mester er David Lynch. Manden har en rigtig god evne til at udvinde underbevidstheden og skabe skræmmende mareridtbilleder. For eksempel er derEraserheadog den tredje sæson afTwin Peaks, men hvis du vil se Lynch i højden af ​​hans tankebøjende kræfter, så tjek hans magnum opus,Mulholland Drive.

At forklare handlingen er som at prøve at beskrive en dyb og foruroligende drøm. Filmen begynder, når en uskyldig skuespillerinde ved navn Betty (Naomi Watts) ankommer til Hollywood med håb om at gøre den stor. Hun snubler snart ind i et mærkeligt plot, der involverer en smuk brunette (Laura Elena Harring), der lider af hukommelsestap, men som Roger Ebertpåpegedei sin oprindelige anmeldelse,Mulholland Drivegrøfter traditionelt plot og arbejder i stedet direkte på følelser, som musik. Når alt kommer til alt, er det store flertal af filmen en faktisk drøm, og ved at arbejde gennem en kvindes hjertebroede underbevidsthed udforsker Lynch de mørke machinationer i Hollywood, og hvor ofte vores grandiose mål vender tilbage til fortvivlelse.

Og mens du siger gennem al denne drømmelogik - hvad er der med den blå nøgle og den blå boks? - Lynch holder dig klæbet til skærmen med betagende sekvenser som Club Silencio musikalske nummer, Bettys kæbeudslettende audition og det uhyggelige øjeblik, når en cocky instruktør (Justin Theroux) møder verdens skumleste cowboy. Og så er der selvfølgelig en af ​​de mest uhyggelige scener i Hollywood-historien, en mesterklasse i spænding, der kun involverer to mænd i en spisestue. Par det hele sammen med Naomi Watts 'kraftcenter for en forestilling, og det er ikke underligt, at BBC udnævner dette surrealistiske mesterværk tildet 21. århundredes største filmindtil nu.



Evigt solskin af det uplettede sind (2004)

Michel Gondry er en instruktør, der er kendt for sin lunefulde og magiske fantasi. Charlie Kaufman er en manuskriptforfatter, der er kendt for sin pessimisme og vanvittige originalitet. Da de to kombinerede deres filmiske kræfter i 2004, skabte de en all-time stor romantik, der var modig nok til at se et langt, hårdt kig på den grimme side af kærlighed og hvordan forhold faktisk fungerer.

Evigt solskin i et pletfrit sind stjerner Jim Carrey som Joel Barish, en ensom, genert mand, der møder en udadvendt kvinde ved navn Clementine (Kate Winslet). Efter at deres forhold har taget en stenet sving, gennemgår Clementine en proces for at udslette minderne om Joel fra hendes sind. Skadd, Joel gennemgår den samme procedure, men når teknikerne sletter hans minder om Clementine, skifter Joel sind og beslutter at kæmpe tilbage og desperat stash minder fra sin eks-kæreste væk i hans underbevidsthed.

Brug af en chokerende mængde praktiske effekter, springer denne opfindelige romantik gennem tid og dans ind og ud af minder, da Joel genoplever både de glade og frygtelige øjeblikke i sit forhold, alt sammen mens han opdager årsagen til sammenbruddet. Kaufmans smarte sci-fi-script vandt en Oscar-prisog med Gondry ved roret, Evigt solskin i et pletfrit sind udforsker med frimodighed, hvad der sker, når den friske, nye glans bærer en romantik, og parret efterlades med hverandres fejl og mangler. Filmen ignorerer ikke smerterne og faldgruberne ved at få et forhold til at fungere, og ved at undersøge de forskellige stadier af romantik er dette en film, der ændrer sig og vokser med hver eneste se.



Shaun of the Dead (2004)

Over 35 år efterDe levende døde nat, Edgar Wright genoplivet zombiesjangeren med Shaun of the Dead, en romantisk komedie med dronning, kannibaler og cricket-padler. Wrights film tog den døde genre og bragte den tilbage til livet og gav den en komisk vri. Selvfølgelig kiggede han heller ikke på kæmperen -Shaun of the Dead er den perfekte kombination af grin, bange og tårevridt drama.

Historien følger en slacker ved navn Shaun (Simon Pegg), der er tvunget til at vokse op, når zombie-apokalypsen kommer ned over hans lille britiske by. Ved hjælp af sin bedste ven Ed (Nick Frost) går Shaun på en rejse for at redde sine venner og familie, redde sit forhold og arbejde på nogle længe simmende problemer med sin stedfar. Takket være Wrights ekspertbrug af redigering og musik er filmen fyldt med strålende komiske detaljer fra record kaste kamp til 'Stop ikke med mig nushowdown. Og med Pegg og Wright penning af manuskriptet, Shaun of the Dead er dybest set planen for, hvordan man skriver den perfekte komedie. Bare lyt til detNick Frost monolog der opsætter resten af ​​filmen. Det er strålende.

Men alt griner og intet føles for en kedelig film, og det er der Shaun of the Dead stiger over din typiske horror-komedie. Sikker på, karaktererne er klodsede, men de er ægte, så når de oplever smerte og tristhed, lader filmen os græde sammen med dem. Øjeblikket, hvor Shaun konfronterer sin zombificerede mor, er absolut irriterende, og hvis du ikke kaster et par tårer under Ed og Shauns sidste farvel, ja, er du måske bare en af ​​de udøde. Selvom det er vidunderligt redigeret og tæt scriptet, Shaun of the Dead fungerer så godt, fordi det er en film med en hel masse hjerte.

The Grand Budapest Hotel (2014)

I eftertid ser det ud til, at Wes Andersons hele karriere var ved at opbyggeGrand Budapest Hotel. Det var hans film med højeste brutto, en af ​​hans mest kritisk elskede film, og det markerede første gang Anderson nogensinde har modtaget en Oscar-nominering til instruktion. Så hvad stod bag filmens popularitet?

Det er den perfekte blanding af alle ting Anderson, fra hans omhyggelige verdensopbygning og vittige dialog til den melankolske luft, der svæver over alle hans film. Men her tager han tingene endnu længere ved at bruge flere tidslinjer og aspektforhold for at udforske nostalgi, manerer og europæisk historie, alt sammen mens han går i et stramning mellem den gamle verdens uskyld og pessimisme efter 2. verdenskrig. Det er en finurlig historie med rædsel i horisonten, hvor vores helte får et sidste galskabeventyr, før det høflige samfund smuldrer.

Komplottet involverer en lobbydreng ved navn Zero (Tony Revolori), der kommer til at arbejde for den flamboyante og ondskabsfulde monsieur Gustave (Ralph Fiennes) på Grand Budapest Hotel. Hotellet ligger i de sneklædte europæiske bakker, og er en af ​​Andersons største kreationer, dukker med pastelfarver og indviklede værelser, alt sammen perfekt designet til denne fantasiverden. Til sidst suges Zero og Gustave ind i en forbrydelse, der involverer en død grevinde, et værdifuldt maleri og en skræmmende slæbebane, og når filmen kaster sig frem, giver Anderson os makabre komedier, stiliserede actionscener og nogle af de mest elskeligt sære karakterer af hans karriere.

Seriøst, hvor ellers skal du se en stop-motion-skivejagt, en fængselspause, der involverer kager og et hemmeligt samfund med farverige portier? Med en strålende hovedpræstation fra Fiennes (sæt denne mand i flere komedier, tak), Grand Budapest Hotel er et fantasisk frisk pust i en verden fuld af superhelt-flick med stort budget. Det er et bevis på, at stil og stof kan gå hånd i hånd - eller i det mindste at de to kan opretholde illusionen med en vidunderlig nåde.

Creed (2015)

Mange mennesker var skeptiske, da de hørte, at der skulle komme en ny rate i EU Stenet franchise, men da Ryan Cooglers anden film fandt teatre, blev både kritikere og fans behageligt overrasket over filmens knockout-magt. Det var ikke bare 'en okay efterfølger.' Det var den bedste post i serien siden originalen fra 1976, og som folkene på Cinefix påpege, at den syvende film i franchisen var 'en Hollywood-primer om, hvordan man passerer en fakkel.'

Med Michael B. Jordan som førende, Tro på fokuserer på Adonis Creed, søn af den afdøde store mester Apollo Creed. Adonis er ivrig efter at kæmpe og desperat efter at bevise sig selv, og han vender sig til den legendariske Rocky Balboa (Sylvester Stallone) for at få hjælp. Da Adonis bokser sig for et titelskud, bygger Ryan Coogler på franchisemytologien på spændende måder. For eksempel sætter han en nyt twist på den obligatoriske løbscene, der giver øjeblikket ny kraft og følelsesladet slag. Og så er der et øjeblik, hvor Adonis går til kamp for mester og den berømte Stenet tema begynder at spille. Som filmkritiker Siddhant Adlakha påpeger, at det er 'måske det mest fortjente kendte filmmoment og musikalsk signal i nyere hukommelse.'

Men Coogler formår også at tage franchisen i en ny retning med en spændende ny hovedperson. Michael B. Jordan er på sit A-spil her, hvilket giver os en helt, der ikke er en Rocky Balboa-klon, men en hovedperson med sine egne unikke mål. Og filmen er fuld af sine egne unikke øjeblikke, ligesom den virtuose boksekamp med et skud og tarmstansen i en rækkefølge, hvor Adonis skygger op mod gamle optagelser af sin far.Tro på var en underdog-film, der trodsede alles forventninger, og den kan holde sin egen med de største efterfølgere gennem tidene.

Mad Max: Fury Road (2015)

Actiongenren er en af ​​de reneste filmformer. Sikker på, du kan beskrive kampscener i en bog, og du kan gøre nogle seje ting på scenen, men actionscener og filmkameraer blev lavet til hinanden. I det forløbne århundrede har actiongenren givet os nogle virkelig imponerende film fra Det store togrøveri (1903) til Sort panter (2018). Men hvis du vil koge genren ned til dens adrenalin-gennemvædet essens og se en film lavet af nitro, benzin og kinetisk energi, skal du ikke lede længere end Mad Max: Fury Road.

Instrueret af George Miller, Fury Road finder Max Rockatansky (Tom Hardy) sammen med imperator Furiosa (Charlize Theron) for at redde fem kønsslaver fra den lokale krigsherre (Hugh Keays-Byrne) og hans hær af Flamers, Polecats og Warboys. Flugtforsøget lancerer en massiv biljagt over ørkenen, en der tog mere end 150 stunt mennesker at filme. Over 300 sekvenser blev skudt, mest i Namib-ørkenen, og ifølge Miller, omkring 90 procent af de stunts, vi ser, er virkelige. Der er motorcykler, der svæver over lastbiler, mænd svinger frem og tilbage på kæmpe stænger, og i en scene er der 75 køretøjer, der rives over sandet, under Miller's omhyggelige øje og hans stuntkoordinator Guy Norris.

Ud over eksplosionerne og bilvragene lavede Miller og kinematograf John Seale en film, der er så smuk, at den hører hjemme i et kunstmuseum. Der er det uhyggelige billede af rattets helligdom, det hjerteforbrændende skud fra Furiosa, der synker ned i sandet, og det betagende øjeblik, hvor armadaen pløjer i en sandstorm. De blå nattesekvenser er ubeskriveligt smukke, og verdensopbygningen er godt ude af denne verden. Miller skabte et univers befolket med bedstemødecyklister, Crow Fishers og teenage krigere, der drømmer om Valhalla. Kort sagt Fury Road kan være den perfekte actionfilm.

Manchester by the Sea (2016)

Nogle film er beregnet til at underholde, mens andre har noget vigtigt at sige. Og så er der film, der kan hjælpe os med at behandle magtfulde følelser, som vi helst ikke vil møde, som sorg. Filmskabere har udforsket emnet i forskellige genrer fra fantasy (Hvilke drømme kan komme) og thriller (Invitationen) til straight-up drama (I soveværelset). Men når det kommer til at håndtere smerter og tab, Manchester by the Sea kan være den mest irriterende af alle.

Animaniacs

Skrevet og instrueret af Kenneth Lonergan, Manchester by the Sea fortæller historien om Lee Chandler (Casey Affleck), en isoleret og irritabel vaktmester, der vender tilbage til hans hjemby efter sin brors død. Men at rejse hjem giver mange problemer for Lee. Ikke kun er han chokeret over at få at vide, at han nu er værge for sin teenage-nevø (Lucas Hedges), men Lee kæmper også for at holde fortiden i skak. Vi vil ikke give for meget af plotet, men der er en grund til, at det at gå hjem er det sidste, Lee vil gøre. Hvert syn og lyd minder ham om noget, der virkelig er tragisk, der skete for mange år siden, en begivenhed, der var så forfærdelig, at han måske aldrig kunne komme sig.

Affleck vandt en Oscar for hans præstation her, ligesom Lonergan for bedste originale manuskript, og de to fortjente virkelig deres små guldstatuer. Hver gestus, Affleck laver, hver linje han ikke sig, bare ondt med smerter. (Og gigantiske rekvisitter til Hedges og Michelle Williams, som begge blev nomineret til stjernernes forestillinger.) Og mens filmen er fuld af ubehageligt komiske øjeblikke - humoren her er uudholdeligt mørk -Manchester by the Sea kæmper med sorg på en måde, som de fleste film ikke ville tør. Det er en smukt brutal film om at leve med smerter for evigt, og de sidste 20 minutter er måske de mest ødelæggende 20 minutter, der nogensinde er filmet.

Stilhed (2016)

Fra Ingmar Bergman til Darren Aronofsky har filmskabere ofte funderet over to vigtige åndelige spørgsmål: er der en gud, og i bekræftende fald, hvad ønsker han? Og selvom Martin Scorsese er bedst kendt for sine gangsterfilm, har han brugt meget tid på at prøve at besvare disse spørgsmål. I 1988 kiggede han et nyt blik på evangelierne med Kristi sidste fristelse, og næsten 30 år senere vendte Scorsese tilbage til kristendommen med Stilhed, en film om en mands trokrise, når det ser ud til, at han er blevet forladt af Gud.

Det tog omkring 28 år for Scorsese at medbringe Stilhed til den store skærm, der får filmen til at føle sig som en selvtillidshandling. Handlingen involverer to jesuittiske præster (Andrew Garfield og Adam Driver), der snigede sig ind i Japan for at finde en manglende mentor (Liam Neeson), der angiveligt begik frafald. Når Garfields præst fanges af japanerne, finder han sig tvunget med en vanskelig beslutning: Recant og risikere fordømmelse, eller se, mens hans medkristne bliver tortureret til døden. Men når han henvender sig til Gud for hjælp, er der ingen svar, ingen mirakler, og vores helt føles som om han bliver knust af Guds tavshed.

Stilhed er smukt skudt af Rodrigo Prieto, der kontrasterer Japans skønhed med brutaliteten af ​​korsfæstede mænd, der drukner i havet. Partituret komponeret af Kim Allen Kluge og Kathryn Kluge er chokerende i sin enkelhed og stoler på naturens lyde. Og Garfield og Neeson er perfekte som torturerede præster - når de mødes, er deres kamp for stolthed og smerte som at deltage i fungerende 101. Men i sidste ende, som Richard Roeper skrev i sin anmeldelse, Stilhedudforsker troens natur: hvordan det kan inspirere til håb og grusomhed, hvordan det kan skære liv i stykker og give andre styrken til soldat på trods af tvivlen.

The Witch (2016)

En af de mest foruroligende horrorfilm i den nyere hukommelse, Heksen fortæller historien om en puritansk familie, der kæmper for deres liv - og imod hinanden - når en overnaturlig styrke angriber deres isolerede bondegård. Pragtigt skudt og designet, Heksen føles som om det var lavet af en veteranregissør, men dette var faktisk Robert Eggers 'allerførste film. Mens han bare var en rookie, Heksen er selve definitionen på en fejlfri film, især når det drejer sig om at få enhver detalje helt rigtigt.

Taler med Wired, Eggers forklarede sine unikke ideer, når det gjaldt at fremstille Heksen. „Alt i rammen,” sagde Eggers, „skal ​​være som om jeg artikulerer min hukommelse fra dette øjeblik. Som om dette var min barndom som puritan, og jeg kan huske den dag, min far tog mig med ind i et kornmark, og hvordan han lugtede ud. ' Så hvordan kan du fange en 'hukommelse' sådan? Ved at lave masser af research. Eggers tilbragte fire år studere den puritanske livsstil og læse førstehåndsberetninger om demonisk besiddelse. Han lånte endda faktisk dialog fra formodede overnaturlige møder. Taler til Indiewire, Eggers afslørede, at nogle af linjerne 'børnene siger (i filmen), når de er besat, er ting, som ægte børn påstås at have sagt, når de var besat.'

Eggers blev også super involveret, når det kom til sæt og rekvisitter. Kostumerne blev syet hånd, og møblerne blev bygget ligesom puritanerne plejede at gøre det. Og selvom han skyder i Canada, indbragte Eggers et stråtæk fra Virginia, som specialiserede sig i tag fra det 17. århundrede. Eggers ville have alt perfekt, men ud over alle detaljer lykkedes det førstegangsregissøren at få utrolige forestillinger fra hvert medlem af hans rollebesætning, herunder små børn og en Ged på 210 pund. Og hvis en film kan gøre husdyr skræmmende, ved du, at du har en øjeblikkelig rædselsklassiker på dine hænder.

Kom ud (2017)

Film kan enten repræsentere dig og dine oplevelser, eller de kan sætte dig i en andens sko. Og så er der film som Gå uddet gør begge dele. For afroamerikanere, Gå ud fungerer - ligesom Jordan Peele beskrev det- som en dokumentar. Det er en fiktiv version af de rædsler, som sorte mennesker oplever hver dag. For alle andre viser det, hvordan det virkelig er at være en farveperson, der bor i en hvid verden. Det skader heller ikke det Gå udhar et morderisk manuskript, skarp instruktion og en Oscar-værdig hovedpræstation fra Daniel Kaluuya.

Historien følger en ung sort fotograf ved navn Chris (Kaluuya), der går for at møde familien til sin hvide kæreste. Fra det øjeblik han dukker op i deres ejendom - plejet af sorte tjenere - ser alt ud. Måske er det bare de dårligt rådede vittigheder, det underlige udseende og de afslappede racistiske vibber, han får fra forældrene ... eller måske er der nogle seriøse Ira Levin ting foregår bag kulisserne. Dette er Peele's instruktionsdebut, men du ville ikke vide det, som han trækker frem spændingen, indtil alt eksploderer i et blodig rod af jiu-jitsu, tekopper og hjorte gevir. Og Peeles manuskript er af topmærke, fuld af smarte berøringer (den rige skurk bruger en sølvske; Chris slipper væk fra sine hvide captorer ved hjælp af bomuld) og masser af uhyggelige forskydninger ('sort skimmel' i kælderen). Plus, det har en af bedste horror-afslutninger i dette århundrede indtil videre.

Selvfølgelig, filmen evner tingene ud med masser af griner, for det meste med tilladelse fra Lil Rel Howery. Men i dets kerne, Gå ud er en skræmmende film, der ser på de virkelige rædsler i det amerikanske samfund. Takket være Peele mestring bag kameraet og Kaluuya's evne til at holde os både jordede og bekymrede i hele galskaben, Gå ud fortsætter med at narre publikum, så længe folk befinder sig fanget i det forliste sted.

Kæber (1975)

I mindre hænder Jaws ville være blevet en glemmelig monsterflick i et hav af B-film. (Tjek ud Kæber 2, Kæber 3-D, og Kæber: Hævnen til bevis.) Men over 40 år senere giver det stadig folk pause, før de træder i vandet. Så hvad sætter Jaws bortset fra dine run-of-the-mill slashers? Det er manden, der sidder i direktørstolen: den eneste Steven Spielberg.

Ingen spænder som Spielberg og Jaws er en mesterklasse, når det kommer til at skabe spænding. Spielberg gik Alfred Hitchcock rute og holdt den uhyrlige fisk væk fra skærmen så længe som muligt og spillede på vores frygt for det ukendte. Han opbygger frygt ved at bruge POV-skud under vand og John Williams 'score for at fortælle os, om hajen kommer. Idet sheriff Brody nervøst skanderer stranden, skraller Spielberg spændingen op med røde sild og strålende redigering (af Verna Fields). Han får vores mave til at blive kolde ved blot at få en tønde til at springe ud af vandet. Selv Brodys gory-bog og Quints knoglerende monolog fortæller os, hvor dårlige ting vil komme, hvis vores helte havner i vandet.

Så når vi endelig ser hajen i al dens dukkeøjede, bådhoppende herlighed, er scenen sat, og publikum er primet. Selv hvis monster lejlighedsvis ser lidt gummiagtig ud, har vi set hvad det kan gøre. Vi så den kvinde i åbningen blive trukket frem og tilbage, og vi så Kintner-drengen trækkes under vand af en eller anden usynlig styrke. Takket være Spielbergs opsætning, tror vi fuldstændigt, at denne 25-fodsfisk kunne spise alle i Amity, og selvom Brody sprænger det til sidst, er vi stadig lidt nervøse, hver gang vi svømmer.

Evil Dead II (1987)

Hvad kvalificerer sig som en fejlfri film? Skal det være et seriøst drama? Eller kan det være en rædselskomedie, hvor en fyr kæmper med sin egen hånd? Mens nogle snobs måske ser ned på Evil Dead II, denne Sam Raimi-klassiker opnår fejlfri det, den sigter mod at gøre: få dig til at skrige og derefter få dig til at grine.

Efterfølgeren til kultklassikeren fra 1981, Evil Dead II er en groovy god tid i filmene. Bruce Campbell spiller den belægerede blå kravehelt Ash Williams og giver en fantastisk fysisk præstation. De ting, han laver i denne film, sætter Campbell i samtalen med Charlie Chaplin og Buster Keaton - han smider sig rundt som en kluddukke, mens han bliver gennemblødt i gore, og han bryder aldrig en gang med et smil (undtagen når han bliver vanvittig). Det er vaudeville for den moderne tid.

De væsner, Ash er imod, er faktisk temmelig uhyggelige, fra det besatte hjortehoved til det oppustede Henrietta Knowby. Mens monstereffekterne kan virke en smule dateret, føler de sig stadig taktile og virkelige, og deres fysiske tilstedeværelse alene giver en følelse af sjov og fare. Og mens han kæmper mod deaditesne, befinder Ash sig i en række mindeværdige scener, fra hans psykotiske sammenbrud og blodgejseren til badass-øjeblikket, hvor han får sin legendariske motorsav. Hurtig, sjov og lidt freaky, Evil Dead II demonstrerer, hvordan kultfilm kan opnå den klassiske status.

Unforgiven (1992)

Der er ingen moderne skuespiller mere tilknyttet den vestlige end manden uden navn, Clint Eastwood. Men i modsætning til det vestlige ikon John Wayne, handlede Eastwoods film mere om at revidere genren og tage gamle trope i nye retninger. Og når det kommer til at afvikle myterne fra Old West, bliver det ikke mere dekonstruktivistisk end Eastwoods Unforgiven.

Historien følger en pensioneret skydevåben ved navn William Munny (Eastwood), der takket være sin nu-døde kone angiveligt har ændret sine måder og slået sig ned i et liv med opdræt af børn og opdræt af svin. Men når hans gård begynder at falde fra hinanden, og en mulighed for hurtig kontant kommer til at banke, henter Munny sine kanoner til en sidste tur. Den gamle tidtager, der kommer tilbage i sadlen, er en klassisk vestlig filmplot-enhed, men når Munny prøver at samle dusør på to renegade-cowboyer, går filmen til nogle utroligt mørke steder.

Ifølge Eastwood, Unforgiven handler om den meningsløse vold - du ved, det vi ønsker at se i slutningen af ​​hver eneste vestlige. Dræbene ind Unforgiven er grim og irriterende. Folk skrig i smerte og frygt. Morderne går væk bedøvede, for altid traumatiseret ved at trække i udløseren. Volden er altid grim, uanset om den bliver serveret af Munny eller den brutale småby-sheriff, spillet af Gene Hackman. Denne advokat er ikke bedre end de kriminelle, han slår på gaden. Fra det ensomme åbningsskud til dets mørke og regnfulde højdepunkt, Unforgiven er ikke bange for at stille spørgsmålstegn ved vores folkehelte eller sige dens seværdigheder mod en hel genre (og for den sags skyld land) bygget på blodudgydelse.

Spider-Man 2 (2004)

Hvornår Spider-Man 2 svingt ind i teatre, Roger Ebert hyldes den som 'den bedste superheltfilm siden den moderne genre blev lanceret med Superman.' Indrømmet, der er kommet en masse superheltfilm ud siden 2004, men Eberts påstand holder stadig ved.

Buddi

Instrueret af Sam Raimi, Spider-Man 2 er ikke kun den bedste superheltfilm, der nogensinde er lavet. Det er også en af ​​de største efterfølgere gennem tidene, lige der oppe med Imperiet slår tilbage og Gudfaderen del II. Men i modsætning til disse dystre film, Spider-Man 2 holder den fyrede tone fra den første film, mens den følelsesmæssige indsats tages til et nyt niveau.

Filmen har nogle utrolige sæt stykker fra Ond død-inspireret kirurgisk scene til Spideys episke togkamp med Doc Ock. Men hvor Spider-Man 2 virkelig skinner gør Peter Parker (Tobey Maguire) til en virkelig relatabel helt. Han kæmper for at kæmpe for en gal videnskabsmand mens gør sit bedste for at få en kæreste og holde et job nede. Han er en fyr, der er sent til teatret og finder trøst i chokoladekage. Han føler ægte lykke under den strålende 'regndråber fortsætter med at falde på mit hoved' -montage, efterfulgt af tarmforbrændende beklagelse, når han ikke klarer at redde nogen ved at ryste sit ansvar.

Kort sagt Spider-Man 2 handler om mere end bare en helt, der kæmper mod en dårlig fyr. Som Michael Curley kl popmatters Put den ind Spider-Man 2, publikum er ikke bare rodfæstet for, at Peter stopper skurken eller redder verden - de vil have, at han skal være glad, finde balance, få det til at være et superheltværk for ham. ' Det var den første superheltfilm, der gav os en superhelt, vi virkelig kunne forbinde til, og den satte skabelonen til, at Marvel-filmene skulle komme.

The Assassination of Jesse James af Coward Robert Ford (2007)

Instrueret af Andrew Dominik, Mordet på Jesse James af fejren Robert Ford flyder som et spøgelse over det snedækkede prærie. Det er en episk film, der tager sin tid. Der er ikke nogen Wild Bunch-stil skudkampe her - bare en smukt skudt film, der fortæller historien om to meget urolige mænd: en berømthed, der kæmper med mental sygdom og en giftig fan, der ønsker at dræbe det, han ikke kan have.

Både Brad Pitt som James og Casey Affleck som Ford er i toppen af ​​deres spil her. Pitt spiller forbud som en mand, der lider af paranoia og depression. Han synker ned i mørket, og i sine klarsynede øjeblikke tænker han på at dø. Men så er der øjeblikke, hvor Pitt's øjne vokser vildt og galskaben begynder at bevæge sig, og du er for bange for endda at blinke. Det er Oscar-værdige ting, konkurreret af Affleck som en fedtet, weaselly sycophant, en usikker leech, der desperat ønsker at blive berømt. Når han selvfølgelig indser, at han ikke har det, der skal til for at nå det til den store tid, beslutter han sig for at gå Mark David Chapman-ruten.

Ud over skuespillet er filmdannelsen af ​​Roger Deakins absolut fantastisk. Han opfandt faktisk flere linser specifikt til filmen, hvilket gav os billeder af filmkritikeren Spejder Tafoya beskriver som 'et sted mellem en tonetype og et oljemaleri.' Soundtracket af Nick Cave og Warren Ellis er spøgende, ligesom Hugh Ross 'faktiske fortælling, der minder os om, at vi bevæger os mod noget forfærdeligt og forudbestemt. Attentatet på Jesse James vil blive hængende i årene fremover, ligesom legenden om selvmanden.

Hot Fuzz (2007)

Skrevet af Edgar Wright og Simon Pegg,Hot fuzz er en film, der bliver bedre, hver gang du ser den. Når alt kommer til alt har det en af ​​de strameste manuskript, der nogensinde er sat på papir. Hvis du vil lære mere om kunsten at konfigurere og udbetale, skal du genoverveje Hot fuzz igen og igen.

Nogle af de tidlige vittigheder vender tilbage til slutningen på uventede måder. For eksempel betaler en sjov linje om landmænds pakkerejser spektakulært, når en bondes mor faktisk prøver at sprænge den heroiske Sgt. Angel (Pegg) med en hagle. Den 'fascistiske / hag' -rutine kommer smukt tilbage i den endelige skudkamp og de konstante henvisninger til Point Breakoprette en sjove, men hjerteskærende scene, der involverer Nick Frost og hans kære gamle far.

Andre linjer skygger faktisk nogle temmelig alvorlige plotvridninger. I filmens åbning fortæller Bill Nighys selvtilfredse politisjef i London til Sgt. Angel, at han kan få folk til at forsvinde, fordi han er chefinspektør. Og når Angel overføres til den søvnige by Sanford, hvem får bogstaveligt talt til at forsvinde forkert? Yeah, det er rigtigt. Det er chefinspektøren spillet af Jim Broadbent. Og vi skraber næppe bare overfladen her - hver gang du ser filmen, finder du noget nyt.

Men ud over scriptet, Hot fuzz udfører et mesterligt job med jonglering af genrer. Som YouTube-filmkritiker Mikey Neumann påpeger, at filmen sender fire separate genrer: komedie, rædsel, mysterium og handling. Og det er ikke kun satiriserende for din typiske Michael Bay film, men det er en legitimt awesome action-flick på samme tid. Oven på alt dette har det en hjertevarende stemning, der foregår mellem Pegg og Frost. Hot fuzz er Edgar Wright og Simon Pegg fyr på alle cylindre, og det er svært at tænke på en komedie, der kan sammenligne med dens blodige, britiske glans.

There Will Be Blood (2007)

Daniel Day-Lewis er en af ​​alle tiders store skuespillere, men mens hans optrædener i Lincoln og Min venstre fod er forbløffende, kan han altid blive husket for ranting og fabler om milkshakes. Selvfølgelig, Der vil være blod er langt mere end bare et meme - det er en forfærdelig nedtagning af det amerikanske samfund, smukt skudt af Robert Elswit, og det er måske den største film i instruktør Paul Thomas Andersons estimerbare filmografi.

Anderson er manden bag film som Boogie nætter og Fantomtråd, men ingen af ​​hans andre film har det episke, brutale omfang Der vil være blod, der fanger et golde ødemark med utallige rigdomme, der siver op under revnerne. Der for at drikke det hele er Daniel Plainview (Day-Lewis), en magtfuld olietycoon med et had mod de fleste alle han møder. Han er USAs kapitalistiske id run amok, og det eneste, der holder ham i skak, er den sleazy pastor Eli søndag (Paul Dano), den mørke side af det første ændringsforslag. Når de to kæmper for kontrol med olie, mister Plainview sin menneskelighed bit for bit, indtil der ikke er andet tilbage end en vred gammel mand med en bowlingnål.

For det meste spiller Day-Lewis Plainview med en voksende intensitet. Der sker meget bag disse øjne - beregninger og konkurrence. Men når han eksploderer, er det en brand uden sidestykke med enhver præstation i den nyere hukommelse. Hvad angår Anderson, fanger han fængslende billedscene efter en utrolig scene, som den ordløse åbningssekvens og oliebrættet brændende midt på natten, alt sammen ledsaget af Jonny Greenwod's fremmed score. Det er svært at tænke på en anden amerikansk film, der så fanger den mørke side af Amerikas grådighed, og hvis du ville sammenligne Der vil være blod til Citizen Kane, ville vi bestemt ikke klage.

John Wick (2014)

Medvirkende Keanu Reeves i titularrollen, John Wick finder sted i en morderisk skyggeverden, et hemmeligt samfund fuld af guldmønter og mystiske regler. Der er et stilfuldt hotel befolket af debonair skurke og sexede snikmorder og som filmkritiker Priscilla side skriver, det visuelle bades med 'paletten af ​​Mario Bavo, af Dario Argento.' Indstillet næsten helt om natten, er filmen rig på mørkerøde, blå og grønne. Det er nøjagtigt det sted, du kunne forvente at se en dragtfuld bogmand, der kæmper mod en gruppe russiske bøller - og bekæmp dem, han gør, med størst mulig lethed.

Reeves rodede ikke rundt, da han tilmeldte sig John Wick. Skuespilleren træner fem dage om ugen, otte timer om dagen, for fire lange måneder. Han lærte at håndtere skydevåben, bruge jiu-jitsu-holder og køre en bil som en stjerne fra 1970'erne. Når kampene går i gang, er der ingen smart redigering for at skjule Reeves 'dobbelt, for det er faktisk Keanu, der slår alle de onde fyre. Pistolen-fu her er et syn at se, og da filmen var instrueret af to stuntmænd (Chad Stahelski og David Leitch), skulle det ikke overraske, at koreografien er fremragende.

Men lurer under overfladen er en fortælling om en sorgmand. John Wick er en enkemand, hvis elskede hund var en gave fra sin afdøde kone, så når nogle hot-headed gangstere myrder hans hvalp, fjerner de mere end bare hans kæledyr (selvom det er dårligt nok) - de dræber hans ' mulighed for at sørge unalone. ' Så John Wick er langt mere end en film om en fyr, der myrder så mange mennesker som muligt. Det handler om en mand, der ønsker at klare sig og håber at udtrykke sin tristhed og vrede ... ved at myrde så mange mennesker som muligt.

Guardians of the Galaxy Vol. 2 (2017)

På blot 10 år ændrede Marvel Cinematic Universum Hollywood-landskabet fuldstændigt. Men med så mange poster i en så kritikerrost franchise, hvilket er det bedste af flokken? Det er en vanskelig beslutning, men hvis du går af følelsesmæssig indflydelse, er du nødt til at vælge Guardians of the Galaxy Vol. 2. Instrueret af James Gunn følger denne efterfølger i 2017 de yderligere eventyr for vores ragtag-helte, når de støder på en levende planet med et rigtig stort ego. Vol. 2 har nogle virkelig mindeværdige sæt stykker fra 'Mr. Blue Sky 'åbning til den strålende voldelige' Come a Little Bit Closer'-fængselspause. Men virkelig, Vol. 2 handler om mere end magiske pile og harbulære batterier. (Undskyld os ... anulax-batterier.)

I sin kerne handler det virkelig om familiedrama og finde tilgivelse. Og mens de fleste MCU-film handler med lignende problemer, Guardians of the Galaxy Vol. 2graver dybt ned i, hvordan det er at overleve misbrug. Næsten enhver karakter i filmen er blevet dybt arret: Star-Lord manipuleres af sin biologiske far; Rocket Raccoon blev lemlæstet af forskere; Gamora og Nebula blev tortureret af deres gale Titan af en far. Selv Yondu - som var en rådd forælder til Peter Quill - er hjemsøgt af sin egen mørke fortid.

Hver karakter behandler deres traumer på deres egen måde, fra at slå til hinanden til at skubbe venner væk. Disse figurer er ødelagte, såre mennesker, hver især en overlevende af en slags. Men i sidste ende, Vol. 2 er en film om disse ødelagte, sårende mennesker, der begynder at gå videre og modne, selvom det bare er i små trin. De kæmper stadig med smerter, men de lærer, hvornår de skal tilgive, og hvornår de skal gå væk fra et destruktivt forhold (eller sprænge det med laserpistoler), hvilket giver os en af ​​de mest komplekse blockbusters i en genre, der ofte understreger handling frem for følelser.

Du var aldrig virkelig her (2018)

Du var aldrig virkelig her er verdens største anti-action-film. Det har alle fangsterne fra din typiske thriller - en forstyrret krigsveteran får en hammer og slår en masse slemme fyre ihjel - men historien er langt fra velkendt. Kan du tænke på en anden actionfilm, hvor helten skyder en skurk, men i stedet for at afslutte ham på grim måde, ligger ned på gulvet og synger sammen med offeret, indtil han dør?

Ja, sandsynligvis ikke.

Instrueret af Lynne Ramsay, Du var aldrig virkelig her følger en fyr ved navn Joe (Joaquin Phoenix), en hitman, der redder piger fra sexmænd. Til sidst tager Joe det forkerte job og finder sig involveret i en ægte sammensværgelse, men hvad der er så imponerende er den måde, Ramsay og Phoenix undergraver enhver forventning, som så mange film har gjort før. I de fleste actionfilm står helten for eksempel med skurken og sender ham til kongeriget. Selvom vi ikke ønsker at forkæle det, siger vi, at Joe ikke får sit store, katartiske øjeblik. Filmen bliver et sted fremmed og langt mere foruroligende, men alligevel håbelig.

Phoenix er på et andet niveau her. Skjult bag et ubemærket skæg er han en træt mand, der er god til at skade mennesker, især sig selv. Men når han ikke kvæler sig eller slår perverse, ser han efter sin ældre mor, knækker vittigheder med hende og sørger for, at hendes køleskab altid er på lager. Joe udtaler næppe et ord, men Phoenix sælger det hele med en mumling, et blik og blitz fra en kuglepenhammer. Hvad angår Ramsay, wowed hun kritikere ved at undergrave rædselsgenren med Vi er nødt til at tale om Kevin, og hun er lige så dygtig til action-thrilleren. Det viser bare, at når du åbner en genre for nye filmskabere med nye perspektiver, ender du med en historie, der går steder, du aldrig ville forvente.